Panel A

"El Cuerpo Performativo ¿el discurso de la experiencia?"
"The Performative Body, the discourse of experience?"

Moderador/Moderator:

Alberto López Cuenca

Fecha/Date:

Jueves 27 de Marzo, 13:00 a 14:30 hrs
Thursday March 27th, 13:00 to 14:30 hrs

Mirta Blostein

Improvisación- Cuerpo Escénico-Entrenamiento Emotivo Muscular

Llego al pensamiento desde el movimiento y el pensamiento me lleva al movimiento. Al escribir, surgen las palabras desde imágenes de cuerpos en movimiento o de las sensaciones de cadenas de movimientos, presentes en mi cuerpo. Entonces me remito a la vivencia. La intención, el fondo irreducible es el de crear curiosidad. Curiosidad por indagar el más allá de la palabra y del movimiento. No sabemos si existe un más allá, pero en el momento que lo pensamos, que surge la inquietud nace y se convierte en entidad útil pues nos moviliza a indagar. La Danza Contemporánea atravesó por diferentes momentos, mismos que dieron y darán lugar a diversos estilos. En sus comienzos la necesidad giró sobre su libertad. Es así, que se rompieron estructuras y se negó a la técnica, para luego retomarla. Surgen entonces, las técnicas de Danza Moderna hasta llegar al abanico innumerable de estilos y formas diferentes de entrenamientos que existen en la actualidad. Desde entonces los estilos y las modas se inclinaron hacia uno u otro extremo. Por un lado la destreza y el preciosismo técnico como requisito número uno y por el otro la expresión libre, el puro goce del movimiento. En el medio pululan un sin número de estilos no definidos, pero con talento y creatividad, que no terminan de aclarar el rumbo y se van quedando en el camino. Ante esta realidad, lo que encuentro es el valor que tiene el lenguaje expresivo del cuerpo, más allá de la técnica y más allá de las aptitudes de orden físico que el mismo tenga. Existen sujetos que poseen en sus cuerpos una fuerza dramática que no está en relación con las posibilidades físicas, sino que está evidenciada por una cualidad de movimiento propio, que se proyecta en el espacio por medio de energía expresiva, un plus presente, cuya existencia, intuyo, es difícil de explicar desde el campo racional. Lo que voy a compartir con ustedes es la importancia del desarrollo del lenguaje expresivo del cuerpo, de cómo se convierte en Movimiento Expresivo y como esta realidad puede ser un posible camino para aclarar y dar orientación a esa demanda latente de crear danza desde otro lugar.

Improvisation-Scenic Body-Muscular Emotive Training

I arrive to thought from movement and thought takes me to movement. When writing, words are brought up by images of moving bodies, or from the sensations of chains of movement present in my body. I address the experience of living. The intention, the fundamental idea, is to create curiosity...the curiosity for searching beyond the word and the movement. We don't really know if the beyond exists, but the moment we think of it, when the restlessness arises, it is born and converted into a useful entity as it mobilizes us to explore. Contemporary Dance has gone through different stages. These gave and will give space to a diversity of styles. In the beginning, necessity spun on freedom. For that reason, structures were broken and technique was neglected - only to be re-claimed later on. The techniques of modern dance began to appear as the wide palette of innumerous styles and different forms of training that exists today. The styles and fashions have leaned towards one extreme or other. On the one hand, dexterity and the technical preciousness is the major requirement; and on the other hand, free expression and the pure pleasure of movement is a priority. The circuit is plagued with a great number of non-defined styles - styles with talent and creativity - that have not yet clarified their direction and fail on their way. Faced with that reality, what I find valuable, is the expressive language of the body, beyond its own technique and physical aptitudes. There are subjects who posses in their bodies a dramatic force that is not in relationship to their physical possibilities. This force becomes evident by a quality of movement itself, projected in the space through expressive energy. A present "plus", the existence of which, I intuit, is hard to explain from the rational mind. What I am going to share with you is the importance of developing an expressive language of the body, of how this language becomes Expressive Movement and how this reality can be a way to clarify and orient to the latent demand to create dance from another place.

Karl Anderson

La técnica Skinner Releasing: una elucidación

Conocí la técnica Skinner Releasing en 1987, cuando bailaba con Stephanie Skura. En 1989, tuve una lesión de impacto en mi rodilla izquierda. Participar en clases de 'Skinner' me permitió seguir bailando sin dolor. De 1990 a 1998, hice una pausa en la danza para regresar a la universidad a estudiar arquitectura. Inmediatamente después de graduarme comencé a bailar nuevamente. Sin embargo, mis músculos se habían atrofiado y mis habilidades de movimiento estaban oxidadas. En ese momento no tomaba la suficiente conciencia de lo que significaba mi regreso a ser una persona de alta actividad física una vez más. Como resultado, tuve que someterme a una cirugía de rodilla. Retomar la técnica de Skinner Releasing fue la piedra angular en mi proceso de reconstrucción. Además de los aspectos sanadores de esta técnica, creo que el participar en aprendizaje somático crea bailarines más maduros e inteligentes. Como coreógrafo, 'Skinner' se ha convertido en mi herramienta técnica y creativa mas valiosa. Me decidí a ser un practicante de la técnica Skinner Releasing para tener la posibilidad de compartir los numerosos beneficios que esta disciplina ofrece.

The Skinner Releasing Technique: an elucidation

I was introduced to the Skinner Releasing Technique in 1987, while dancing with Stephanie Skura. In 1989, I sustained an impact injury to my left knee. Participating in Skinner classes allowed me to dance without pain. From 1990 to 1998, I took a hiatus from dance while I returned to school to study architecture. Immediately upon graduation, I started dancing again. However, my muscles had atrophied and my movement skills were rusty. I was not sufficiently conscientious with my transition back into being highly physical once again. As a result, I had to have knee surgery. Taking the Skinner Releasing Technique was the keystone of my rebuilding process. In addition to the healing aspects of Skinner, I believe that participating in somatic learning creates smarter and more mature dancers. As a choreographer, Skinner has become perhaps my most valuable technical and creative tool. I decided to become a Skinner Releasing Technique facilitator so that I might share the numerous benefits that this discipline has to offer.

Taja Will

Danza: El Cuerpo Performativo como vehículo para el Activismo Social

Mi investigación está basada en los seis patrones fundamentales de la conectividad corporal total de Irmgard Bartenieff, tomados del texto de Peggy Hackney, Making Connections. Mi intensión como ejecutante es utilizar estos patrones para fundamentar mi expresión artística para el activismo social a través del cuerpo performativo. Hackney apunta "cada patrón fundamental de la conectividad corporal total representa un nivel primario de desarrollo y experiencia, y cada uno es relacional. Cada uno organiza la manera de relacionarse con el ser mismo y con el mundo" (Hackney, 12) A través de esta investigación, mi trabajo explora el cuerpo performativo como un vehículo para el cambio -creando nuevos paradigmas para la percepción y la acción. Este trabajo pondrá a prueba como la audiencia responde al ver el cuerpo performativo expresando la relación intercambiable entre vulnerabilidad y auto-afirmación. Mi intensión como artista de activismo social es cuestionar la elección de la complacencia que he observado en la sociedad. Intento evidenciar mis observaciones al inducir a la audiencia a sentirse incomoda mientras se queman imágenes de esperanzas y pesadillas.

Utilizo la incomodidad, definida como libre de comodidad, para retar a la complacencia. Creo que cuando la audiencia es estimulada para percibir lo que yace más allá de las zonas de confort puede cambiar, y entonces es posible imaginar nuevas acciones. Del mismo modo, realizando trabajos bien documentados me encuentro en el proceso de crear un currículo de fundamentos Bartenieff para hacer la paz. Creo que cultivar la conectividad corporal total refuerza el movimiento en las prácticas de la danza y la vida, y sostiene nuestras intensiones de manifestar la paz a través de la práctica del movimiento. Hackney establece que la práctica del movimiento se relaciona con el ser mismo, los otros y el movimiento. La intensión de mi investigación y práctica es conectarme a mí ser para comunicarme con otros e imaginar el cambio para el mundo.

Dance: The Performative Body as Vehicle for Social Activism

My research is based in Irmgard Bartenieff's six fundamental patterns of total body connectivity taken from Peggy Hackney's text, Making Connections. My intention as a performer is to use these patterns to support my artistic expression for social activism through the performative body. Hackney states, "Each fundamental pattern of total body connectivity represents a primary level of development and experience, and each is relational. Each organizes a way of relation to self and to the world" (Hackney, 12). Through this research, my work explores the performative body as vehicle for change - creating a new paradigm for perception and action. This work will test how the audience responds to viewing the performative body expressing the interchangeable relationship between vulnerability and empowerment. My intention as an artist of social activism is to challenge the choice of complacency I have observed in society. I attempt to address this observation by encouraging the audience to feel discomfort while igniting images of hopes and nightmares.

I am using discomfort, defined as free from comfort, to challenge this complacency I have observed. I believe when the audience is encouraged to perceive what lies beyond the comfort zone perceptions can shift and new actions can be imagined. As well as making informative works I am in the process of creating a curriculum of Bartenieff Fundamentals for peacemaking. I believe that cultivating total body connectivity supports movement in dance and life practices and we support our intentions of manifesting peace through the practice of movement. Hackney states that the practice of movement relates to self, other and world. The intention of my research and practice is to connect through self to communicate with others and imagine change for the world.

Panel B

"Otras Rutas para el Cuerpo, Otros Cuerpos en el Camino"
"Other Routes for the Body, Other Bodies on the Road"

Moderador/Moderator:

Laura Fernández

Fecha/Date:

Viernes 28 de marzo, 13:00-14:30 hrs
Friday march 28th, 13:00-14:30 hrs

D. Chase Angier

Sólo di que Sí: Una idea perseguida a través de tres géneros distintos

¿Qué posibilidades creativas aparecen o desaparecen cuando el mismo estímulo intuitivo y visual es aplicado a formas de arte diferentes? Específicamente ¿Qué podemos aprender acerca de la relación entre danza-teatro, el arte de performance, y la instalación activa al crear una obra en cada una de estas formas artísticas, en tres sitios distintos con tres diferentes grupos de colaboradores, todas enraizadas del mismo concepto visual -pilas de papel blanco de 8.5 x 11 pulgadas y focos eléctricos transparentes?

Just Say Yes: One Idea Pursued Through Three Different Genres

What creative possibilities come into being or disappear when the same intuitive visual prompt is applied to different art-forms? Specifically, what can be learned about the relationship between dance theater, performance art, and performed installation by creating a work in each art-forms, in three different sites with three different groups of collaborators stemming from the same visual concept- stacks of 8.5 x 11 inch white paper and hanging clear light bulbs?

Robert Bingham

Butoh y Más Allá: Una Narrativa Dancística

Esta ponencia examina el proceso del autor al crear danzas a través de investigaciones sobre personajes obscuros, con conflictos internos y frecuentemente de carácter caricaturesco. Se enfoca en dos danzas en particular, Be My Friend, Come into My Oven and You Have My Word, y las aproximaciones utilizadas para desarrollar los personajes que presentan. Varios temas, estrategias y los altibajos que surgieron durante estos procesos serán explorados.

La discusión se extiende con una breve reseña del butoh, y de la influencia que Kazuo Ohno, uno de los padres del butoh, ha tenido en el desarrollo del autor como artista de la danza. Se pondrá particular atención a la reconocida obra de Ohno La Argentina, un solo creado como tributo al bailarín homónimo que él había visto bailar varias décadas antes. El presente autor vio a Ohno actuar en Nueva York en 1996 y por varios años ha estado embrujado por la imagen de Ohno, en elegante sombrero y vestido, revoloteando por el escenario. Esta imagen fue razón suficiente para escoger los elementos visuales de la obra Be My Friend, Come Into My Oven, basada en Hansel y Gretel.

Butoh and Beyond: A Dance Narrative

This paper examines the author's process for creating dances through investigations of dark, conflicted, often-cartoonish characters. It focuses on two dances in particular, Be My Friend, Come into My Oven and You Have My Word, and the approaches used to develop the characters they feature. Various themes, strategies, and pitfalls that emerged during these processes are explored. Two brief video excerpts (one to two minutes each) in VHS format will be shown to provide visual context.

The discussion continues with a brief overview of butoh, and of the influence that Kazuo Ohno, one of butoh's progenitors, has had on the author's development as a dance artist. Particular attention will be paid to Ohno's well-known dance La Argentina, a solo created in tribute to the eponymous dancer whom he had seen perform several decades earlier. The author saw Ohno perform in New York City in 1996 and for several years after was haunted by the image of Ohno, in dress and elegant hat, flitting across the stage. This image was a significant factor in choosing the visual elements of the Hansel and Gretel-based Be My Friend, Come Into My Oven. An accompanying three-minute video clip will be shown of Ohno performing La Argentina.

Anadel Lynton

Talleres de Movimiento-Expresión-Comunicación y Danzando en Comunidad como Rescate Creativa y Participativa de Memorias e Identidades

Creo firmemente y basado en la experiencia que todas las personas puedan acceder a procesos creativos para expresarse y comunicarse. Sin embargo, la educación institucional, social y familiar tiende a limitar severamente la creatividad fomentando el miedo al cambio y al pensamiento divergente. Lo diferente se castiga con burlas o represiones que se internalizan construyendo la sensación de "yo no puedo". Cuando se trata del uso de la voz y la expresión del cuerpo y/o de grupos sociales marginados o excluidos de los discursos dominantes (mujeres, indígenas, pobres, mayores, o otras habilidades, entre muchos otros), esta respuesta predomina con aún mayor fuerza. La historia humana es la historia de innovaciones que surgen mediante la construcción social pero en muchos casos sólo benefician a unos cuantos o de plano son negativos para las mayorías. Una forma entre muchas de recuperar la voz, autoafirmarse y hacerse oír, es a través de la expresión con el movimiento, el sonido, la palabra y la utilización de ambientes arquitectónicos y naturales no asociados con "el arte" como actividad exclusiva de especialistas.

Los talleres de Danzando en Comunidad y Movimiento-Expresión-Comunicación que se describirán en esta ponencia proponen ofrecer espacios para la creación colaborativa de eventos en espacios públicos destinados a comunicar algo sobre asuntos que interesan al grupo que participa. Inspirados en prácticas e ideas de Paulo Freire, Enrique Pichon-Riviere, Augusto Boal, Ana Halprin, Wendy Woodson y Galia Sefchovich, entre otros, intentan llevar a la práctica (dentro de su contexto restringido) los ideales de democracia, libertad y justicia. Se ejemplificará con algunos talleres en comunidades indígenas, con promotores comunitarios y de educación, y con feministas urbanas y personas con experiencia en prácticas corporales para la escenificación la educación y la terapia.

Movement-Expression-Communication and Dancing in Community Creative and Participative Recuperation of Memories and Identities

I firmly believe, and based on experience, that anybody can access to creative processes for self-expression and communication. However, institutionalized, social and family education, severely limit the creativity by sustaining the fear of change and divergent thought. The 'different' is sanctioned with mockery or repression that is internalized, building up the feeling of "I can't". When it comes to the use of voice and body expression and/or marginalized groups or those excluded from dominant discourses (women, the indigenous, the poor, the elder and different abilities, among others), this reaction prevails even stronger. Human history is a history of innovation that emerges through social construction but that in many cases, is just positive for very few or clearly wrong for the majority. One of the ways to recover one's own voice, the way to self empowerment and to make one self heard, is through expression with movement, sound, the word and the use of natural and architectonic spaces not associated with "the art" -understood as an exclusive and specialized activity.

The workshops of Danzando en Comunidad y Movimiento-Expresión-Comunicación that are being described in this paper, propose to offer spaces for collaborative creation of events in public spaces to communicate something of particular interest to the groups engaged in the activity. Inspired on the practice and ideas of Paulo Freire, Enrique Pichon-Riviere, Augusto Boal, Ana Halprin, Wendy Woodson and Galia Sefchovich, among others; this attempts to take into practice (within its own restrained context) the ideals of democracy, liberty and justice. It will be exemplified with some workshops at indigenous communities, communitarian and education promoters, and with urban feminists and people with experience on corporeal practices for the stage, education and therapy.

Laura Silva Cervantes

El Cáncer y La Danza

El cáncer es un asesino silencioso que penetra al cuerpo sin darnos cuenta. Es difícil y complicado expresar cómo se siente uno ante tal diagnóstico. Para mí, escuchar esas palabras fue como un golpe sordo a todo mi ser diciéndome "tienes cáncer"... fue completamente letal. Cuando lo escuché sentí que no era yo, que no era cierto, y rebotaron mil preguntas en mi cabeza; ¿es a mi? ¡¡¡No puede ser verdad!!! ¡¡¡Hay algún error!!! Lo siguiente fue devastador; momentos urgentes, imaginando consecuencias fatales ¿y mi vida? ¿y mi hijo? ¿y mi familia? ¿qué voy a hacer? cómo ordenar todo, ¡¡¡¿¿¿cóómooo???!!! Sin embargo, tras la cámara lenta en que siguió mi vida antes de la operación, lo primero que hice fue cancelar una función de Danza que tenía pendiente con la Compañía de Danza Contemporánea de la Ciudad de Oaxaca. Con esta compañía tres bailarinas habíamos ganado el Premio Nacional de Danza Guillermina Bravo en la ciudad de Jalapa, Veracruz, México. Así que recordé que durante muchos años yo tenía una disciplina que albergaba todo mi ser, la danza estaba tras de mí como un soporte, como un alivio a mi corazón y a mi esperanza. Mi salud y la danza se dieron la mano como dos leales amantes y así......comenzó una nueva historia.

Cancer and Dance

Cancer is a silent assassin that penetrates the body without warning, it is difficult and complicated to express how one feels when faced with that diagnosis. For me, hearing those words was like a dry stroke on my whole being telling me "you have cancer" ...it was completely lethal. When I first heard this, a thousand questions flitted through my head: Is it really about me? It can't be true!!! There must be a mistake!!! This was followed by devastating, urgent moments, imagining fatal consequences. "...and my life? and my son? and my family? What am I going to do? How to put everything in order, HOW???!!!" However, after the slow motion sequence that ran my life before the surgery, the first thing I did was to cancel an upcoming performance with Oaxaca City's Contemporary Dance Company. But after awhile, I remembered that for so many years I have had a discipline that contained all of me, dance was behind me as a support, soothing my heart and my hope. My health and dance shook one another's hands like two loyal lovers and that's how...a new story began.

Panel C

"Vistiendo la Realidad"
"Dressing Reality"

Moderador/Moderator:

María Emilia Ismael

Fecha/Date:

Sábado 29 de marzo, 14:20-16:20 hrs
Saturday march 29th, 14:20-16:20 hrs

Margarita Tortajada

Estudio comparativo. Voces de estudiantes y bailarines/as profesionales de México

Desde noviembre de 2001 inicié el proyecto de investigación "Bailarinas/es y sexualidad", cuyo fin es establecer un perfil y analizar las diversas problemáticas de las y los estudiantes en las escuelas profesionales de danza del país, así como a los profesionales de esta actividad. Ello a partir de levantar un censo de la población estudiada y la aplicación de un cuestionario y entrevista a una muestra representativa. En la primera etapa (noviembre 2001-julio 2002) me avoqué a las seis escuelas del INBA, y en la segunda (enero-octubre 2004) a nueve más de varias ciudades del país. La tercera etapa del proyecto, que se centra en bailarines profesionales en activo a nivel nacional también ha sido concluida (noviembre 2006-noviembre 2007).

Parto de entender la sexualidad como "el conjunto de experiencias humanas atribuidas al sexo y definidas por éste, [que] constituye a los particulares y obliga su adscripción a grupos socioculturales genéricos y a condiciones de vida predeterminadas". Tiene sus raíces en la historia, en las culturas y sociedades concretas, en las relaciones institucionales sociales y políticas y en las ideologías (concepciones del mundo). Por todo ello, define la identidad de los sujetos y se expresa en formas de ser, hacer, sentir y pensar. En esta ponencia comparo algunos resultados arrojados en las tres etapas.

Comparative Study; Voices of Students and Professional Dancers of México

In November 2001, I started the research project Dancers and Sexuality, whose objective was to establish a profile and analyze the different problematics of the students at the professional dance schools within the country of Mexico, as well as the professional practice of this activity. This began by making a census of the focus population and then the application of a survey and interviews to a representative segment. In the first stage (November 2001 to July 2002) I focused on the six schools of INBA, and in the second stage (January to October 2004) on nine more from different cities around the country. The third stage of the project, which is centered on active professional dancers at a national level, has also been finished (November 2006 to November 2007).

The project is grounded on understanding sexuality as "the group of human experiences attributed to sex and defined by sex, [which] constitute the particulars and obligates people to ascribe to generic socio-cultural groups and to predetermined conditions of life". This notion has its roots in history, in concrete societies and cultures, and in the institutional, social and political relationships, and ideologies (cosmovision). For that reason, it defines the identity of subjects and expresses the forms of being, making, feeling and thinking. In this paper I will compare some of the results obtained in the previously described stages of the research.

Marila Velloso de Brazil

ENTRETERRITÓRIOS

Un registro del proceso artístico del proyecto ENTRETERRITORIOS, que se está desarrollando actualmente y se materializará en una video-danza. Se trata de una propuesta que trabaja las especificidades del cuerpo en distintos ambientes. La primera situación fue realizada en Rua das Flores, en Pelourinho (Salvador-Bahia-Brazil), y la segunda será realizada en la región de Salinas Grandes, en Salta-Argentina, en febrero de 2008. Este proyecto explora la noción de territorio, inspirado en la lectura de dos autores, Felix Guatarri y Guilles Deleuze.

ENTRETERRITÓRIOS (in between-territories)

A documentation of the artistic process of the project ENTRETERRITORIOS (in between-territories) that is being developed at the present moment and will be materialized in a video-dance work. It is a work proposal based on the specificities of the body in different contexts. The first situation was realized at Rua das Flores, in Pelourinho (Salvador-Bahia-Brazil), and the second at the region of Salinas Grandes, in Salta-Argentina, in February 2008. This project explores the notion of territory inspired from the texts of two authors; Felix Guararri and Guilles Deleuze.

Jesse Zaritt

Resistencia y Movilización en la Danza Contemporánea Israelita

Las obras de danza discutidas en esta ponencia comparten una perspectiva común acerca de la fisicalidad Israelita. Estas danzas exageran los términos de la existencia corpórea en Israel, revelando los costos del conflicto local en los cuerpos Israelitas. Cada obra sostiene un espejo hacia su audiencia y proclama: este es el precio físico que pagamos por vivir en este lugar. Creando coreografía y bailando para hacer visible estos costos ofrece la oportunidad de inspirar resistencia y movilización hacia el cambio. Este ensayo examinará si las obras seleccionadas, creadas por Yasmeen Godder y Ohad Naharin, y sus bailarines, utilizan marcos de resistencia. Mas aún, indagará si y cómo, el uso de los cuerpos en estas obras conduce a la movilización hacia nuevas formas de comportamiento social, político y ético. Esta ponencia mostrará que mientras la técnica utilizada para construir la obra coreografiada por Ohad Naharin alienta a la resistencia y movilización creativa, el virtuosismo del espectáculo refuerza y glorifica las concepciones normalizadas del cuerpo Israelita. En contraste, se describirá también como el trabajo de Yasmeen Godder pone en práctica la resistencia e inspira a la movilización de los cuerpos hacia una reflexión y posible modificación de comportamientos, con su claro retrato de la existencia física Israelita.

Resistance and Mobilization in Contemporary Israeli Dance

The dance works discussed in this essay share a common perspective on Israeli physicality. These dances exaggerate the terms of corporeal existence in Israel, revealing the costs of conflict on Israeli bodies. Each work holds up a mirror to its audience and proclaims: this is the physical price we pay for living in this place. Choreographing and dancing this cost into visibility presents an opportunity for inspiring resistance and mobilization toward change. This essay will examine if selected works created by Yasmeen Godder and Ohad Naharin and their dancers employ resistive frameworks, and will investigate if, and how, the use of bodies in these works leads to mobilization toward new options for social, political, and ethical behavior. This paper will show that while the technique used to form a performance choreographed by Ohad Naharin encourages resistance and creative mobilization, ultimately the virtuosic spectacle of his work reinforces and glorifies normalized conceptions of the Israeli body. In contrast, this essay will describe how Yasmeen Godder's work enacts resistance and inspires a mobilization of bodies toward reflection and possible behavior modification with its stark portrayal of Israeli physical existence.

Anna Gottreich

Sin título

Esta ponencia presenta una demostración de material cultural Orixa, especialmente vestuarios, y la incorporación de estos en danzas. La idea central es exhibir como el movimiento, especialmente las gesticulaciones, pueden convertirse en el vestuario mismo; la idea de evocar energías elementales de los Orixas, o dioses en la danza Afro-brasileña. Adicionalmente, se discutirá como el reciente uso de la danza moderna en las llamadas formas étnicas se presentan como una nueva disciplina y cómo esto cambia lo que nosotros como bailarines presentamos. (Lo "contemporáneo" en Brasil, aspectos de la danza Afro-cubana moderna, etc.) ¿Qué significa realmente lo "auténtico"? Las danzas de carnaval, historia y significado en los contextos culturales de Brasil y el Caribe.

No title

Presenting a lecture/demonstration on Orixa material culture/incorporation of costumes into the dances. The subtext of this is how movement -especially gesture-can become the costume itself-the idea of evoking elemental energies of the Orixas, or gods, in Afro-Brazilian dance, and others. Additionally, I am interested in the rather recent movement in many so-called ethnic dance forms, of using Modern dance, as a discipline and how it changes what we as dancers present. (the "Contemporáneo" in Brazil, aspects of Modern Afro-Cuban, etc). What does "authentic" really mean? Carnival dances, history and meaning in a Brazilian and Caribbean cultural context. What survives, and why?

Panel D

"sin separaciones: la danza-la vida"
"no severance: dance-life"

Moderador/Moderator:

Enrique Ruiz

Fecha/Date:

Lunes 31 de marzo, 13:00 -14:30 hrs
Monday march 31st, 13:00 to 14:30 hrs

Maite Málaga

Mirar la Danza desde los Estudios de Performance

Esta ponencia propone desde el performance de la danza, que se discutan dos aspectos: el primero se refiere a los Estudios de Performance como un enfoque metodológico en algún lugar entre disciplinas y las aportaciones que dicho enfoque puede dar tanto al estudio como a la creación dancística; y el segundo, a la cualidad que tiene lo que comúnmente llamamos performance (en este caso la danza), de coquetear constantemente con el activismo, con la política. El objetivo final es tratar de reconciliar la teórica con la práctica de la danza y lo estético de la práctica dancística con las implicaciones políticas que tienen los cuerpos que danzan.

To Look at Dance from the Performance Studies

This paper proposes, from the performance of dance, to discuss two aspects: the first one refers to the Performance Studies as a methodological perspective at some point between disciplines and the richness that this perspective can give to the study of the dance creation; the second one, to the quality of what we commonly call performance (in this case dance), to flitter constantly with activism and politics. The final goal is the reconciliation of the theory with the practice of dance and the esthetic of the dance practice with the political implication that the dancing bodies have.

Emily Morgan

Coreografía para la Audiencia: una aproximación única a la relación ejecutante/audiencia

En diversos espacios interiores y exteriores, creo trabajos para performance que invitan/inducen a los miembros de la audiencia a abandonar su anonimato para tocar, escribir, moverse y pensar. Imagina un performance en el cual un amigable guía conduce a la audiencia en un tour para ver arte a través de distintas locaciones, o un performance en el cual a la mitad de la audiencia no se le permite ver a los ejecutantes pero sí se le permite escuchar una atmósfera sonora, mientras que la otra mitad de la audiencia puede ver la danza sin escuchar nada. En otra de mis obras el performance comienza con la audiencia jugando una variedad de juegos, los bailarines no se encuentran por ningún lado. Estas danzas-performance no tradicionales proponen una aproximación novedosa a la relación audiencia /ejecutante. Moviéndonos más allá de los convencionalismos, mis técnicas para hacer "coreografía para la audiencia" generan una excitante gama de retos coreográficos que uno no encuentran normalmente en el montaje de obra para escenario en un teatro. Utilizando parte de la obra presentada como mi tesis de maestría, Open House -que incluyó la creación en tiempo real de coreografía para la audiencia en un teatro que había sido transformado en una casa para los ejecutantes -me interesa discutir los retos particulares que enfrenta un coreógrafo que busca no sólo borrar la línea divisoria que existe tradicionalmente entre el ejecutante y la audiencia, sino crear ejecutantes de la audiencia. También discutiré problemáticas relacionadas con la creación de otras dos otras obras de performance, las cuales contribuyeron al continuo desarrollo de mis lineamientos para crear coreografía para la audiencia.

Choreographing the Audience: A unique approach to the performer/audience relationship

In diverse interior and exterior settings I create works for performance that invite/induce audience members to abandon their typical anonymity and to touch, write, move, and think. Imagine a performance in which a friendly guide leads the audience on an art-seeing tour through a variety of locations, or a performance in which half of the audience is actively prevented from seeing what the performers are doing but are privy to an aural sound score that the other half of the audience (who can see the dancing) is discouraged from acknowledging. In another of my works the performance begins with the audience playing a variety of games. The dancers are nowhere to be seen. These nontraditional dance performances call for a novel approach to the audience/performer relationship. Moving beyond traditional audience/performer boundaries, my techniques for "choreographing the audience," generate an exciting array of choreographic challenges that one does not encounter when choreographing for the proscenium stage. Using an excerpt from my MFA thesis concert, Open House, which included the real-time creation of audience choreography within a theatrical space that had been transformed into a home for the performers, I will discuss the unique challenges that arise for a choreographer seeking not only to blur the traditional lines between performer and audience but to create performers of the audience. I will also discuss issues with which I grappled in creating two other performances in the same vein, both of which contributed to the ongoing development of my guidelines for choreographing the audience.

Joy Packard

DANZA PARA LA PAZ, ANGOLA -danza con una intensión espiritual para un propósito práctico

Angola ha resurgido recientemente después de 30 años de guerra civil. Las problemáticas para encontrar la paz abundan por todos lados. Tener paz no significa solamente 'no pelear'. Alcanzar la paz también implica tener agua potable, electricidad, comida y educación. La paz es acerca de una comunidad respetuosa y un gobierno que permita a las personas desarrollarse y no simplemente sobrevivir.

Joy Packard y Dana Swain, profesoras adjuntas en el instituto Tamalpa, se asociaron con el Taller para el Desarrollo para crear Danza para la Paz, un taller y presentación de cinco días en Luanda, Angola. Danza para la Paz está basada en Danza Planetaria, un ritual-performance comunitario desarrollado por Anna Halprin, una pionera en el uso de la danza como arte sanador. La partitura utiliza las formas inter-modales del movimiento/danza, arte y diálogo poético. El objetivo del proyecto era dar a los jóvenes la experiencia de explorar nociones relacionadas con la paz en su país., mejorar su bienestar psico-social, y brindarles herramientas para negociar sus diferencias. Danza para la Paz trabaja especialmente en acuerdo con uno de los objetivos de Taller para el Desarrollo: "asegurar que los derechos de la gente joven en situaciones de conflicto/post-conflicto en África sean respetados y satisfechos a través de la participación activa en la reconstrucción social de sus sociedades."

Esta ponencia es la historia de Danza para la Paz, y una exploración de la efectividad y los retos de utilizar una aproximación basada en las artes de movimiento en Angola y subsecuentemente en su natal Inglaterra de la región noreste.

DANCE FOR PEACE, ANGOLA - dance with spiritual intent for a practical purpose.

Angola has recently emerged from a 30-year civil war and issues of peace are everywhere. Peace isn't just about 'not fighting.' Peace is about having clean water to drink, electricity, food and education. It's about a respectful community and government that will allow people to thrive rather than merely survive.

Joy Packard and Dana Swain, associate teachers with the Tamalpa Institute, partnered with Development Workshop to facilitate Dance for Peace, a 5-day workshop and performance in Luanda, Angola. Dance for Peace is based on Planetary Dance, a community performance ritual devised by Anna Halprin, a pioneer in using dance as a healing art. The score uses the inter-modal art forms of movement/dance, art, and poetic dialogue. The goals of the project were to give the young people an experience of exploring the issue of peace in their country, to improve their psycho-social wellbeing, and to provide them with creative tools to manage their differences. Dance for Peace works in alignment with one of Development Workshops goals which is: "to ensure that the rights of young people in conflict/post conflict situations in Africa are respected and fulfilled through their active participation in the social reconstruction of their societies."

This presentation is the story of Dance for Peace and an exploration of the effectiveness and challenges of using a movement - based arts approach in Angola and subsequently in her native north east of England.

Panel E

"Cuerpo, Modelos Matemáticos y Arquitecturas del Espacio"
"Body, Mathematical Models and Architectonics of Space"

Moderador/Moderator:

Anne Kurjenoja

Fecha/Date:

Miércoles 2 de abril, 13:00-14:30 hrs
Wednesday April 2th, 13:00-14:30 hrs

François-Joseph Lapointe

Mutaciones Genéticas como Operadores Coreográficos para la Composición de Danza

El nuevo campo de la coreografía genética, o la coreogenética, se basa en modelos matemáticas de evolución para generar variaciones coreográficas en silico, utilizando un simulador por computadora. El algoritmo toma como dato de entrada una secuencia de movimientos y lo transforma en una nueva secuencia a través de varios tipos de mutaciones genéticas, incluyendo la eliminación, inserción, repetición, traslado, inversión y substitución de movimientos, entre otras. La secuencia arrojada es luego evaluada por el coreógrafo y probada por los bailarines, y entonces modificada, aceptada o rechazada, de acuerdo con los criterios de selección específicos. La secuencia de movimiento original puede ser creada por el coreógrafo, generada al azar con muestras de un grupo de movimientos predeterminados, o inspirada por la improvisación de los bailarines. Estos distintos movimientos pueden ser asignados a los diferentes aminoácidos que constituyen nuestro código genético. A la inversa, la secuencia genética de cualquier gen puede ser trasladada a una secuencia única de movimientos para ser ejecutados por los bailarines. En esta ponencia el algoritmo coreogenético será presentado y explicado utilizando distintos ejemplos.

Genetic Mutations as Choreographic Operators for Dance Composition

The new field of genetic choreography, or choreogenetics, relies on a mathematical model of evolution to generate choreographic variation in silico, using computer simulations. The algorithm takes as input a sequence of movements and transforms it into a new sequence through various types of genetic mutations, including deletion, insertion, repetition, translocation, inversion and substitution of movements, among others. The output sequence is then assessed by the choreographer and tested by the dancers, and it is further modified, accepted, or rejected, according to specific selection criteria. The original movement sequence can be created by the choreographer, generated at random by sampling from a set of predetermined movements, or inspired through improvisation by the dancers. These different movements can then be assigned to the different amino acids that make up our genetic code. Inversely, the genetic sequence of any coding gene can also be directly translated to a unique sequence of movements to be performed by the dancers. In this paper, the choreogenetics algorithm will be presented and explained using different examples.

Scott Putman

Sin título

Actualmente, las arquitecturas del espacio y el tiempo son el principal interés del director artístico Scott Putman. Esta expedición de varios años correlacionando conceptos arquitectónicos como herramientas composicionales y coreográficas en la organización del tiempo permite indagar en la exploración del lenguaje físico relacionado con la definición y constitución del espacio. La evaluación de estas ideas es una herramienta que ha permitido expandir la voz coreográfica de Scott, mientras se cuestionan nociones de cómo el movimiento se relaciona, acentúa y es experimentado en ambientes que definen como vemos el espacio y el lenguaje corporal dentro de ese espacio. Este trabajo está directamente vinculado con las exploraciones de Scott dentro de la arquitectura como una nueva manera de ver y hablar acerca de la técnica. ¿Cómo diseñamos nuestro espacio interno? ¿Cómo el sistema corporal y su arquitectura permiten en la cultivación de vasos canalizar la energía con el fin de definir el espacio proximal y distal que organiza el tiempo y el cuerpo en movimiento en la arquitectura de la coreografía? La ponencia se centra en los nuevos modelos de enseñanza de la confección y diseño de coreografía y técnica. Identificando y expresando nuevos lenguajes para ideas y conceptos que son tan contemporáneos en pensamiento como en su aplicación.

No title

Architectonics of Space and Time is the current focus of Artistic Director Scott Putman. This multi year expedition of correlating architectural concepts as compositional and choreographic tools while organizing time allows inquiry into a new exploration of physical language due to defining and containing space. The examination of these ideas is a tool to expand Scott's choreographic voice while challenging how movement relates to, accentuates and is experienced in environments that define how we see space and body language inside that space. This work is directly linked into Scott's probing of architecture as a new way of seeing and speaking about technique. How do we design our internal space? How does the body system and its architecture allow for the cultivation of a sacred vessel to channel energy in order to define proximal and distal space that arranges time and the moving body in the architectonics of choreography? The papers focus is on new ways of teaching craft and design in choreography and technique. Identifying and expressing new language for ideas and concepts that are as contemporary in thought as they are in application.